Nico Vascellari: «A 7 anni chiesi a mio padre di comprarmi un quadro di Ligabue»

Sono sparsi nei ventidue ettari di giardino, sotto gli alberi. Alcune nascoste, altre ben in vista. Tutte circondano l'edificio centrale, ma la loro presenza si percepisce. Ecco qua. Figlioo 23 le opere d'arte a cui ci si può avvicinare. Questa è l'atmosfera intrisa d'arte che si respira nel Parco Internazionale di Scultura situato a Mestre, tutt'attorno a Villa Fürstenberg, sede centrale di Banca Ifis. Le opere, nello specifico sculture dal carattere installativo, sono realizzate da dodici maestri della scultura contemporanea, italiani e internazionali: Fernando Botero, Annie Morris, Park Eun Sun, Igor Mitoraj, Manolo Valdés, Pablo Atchugarry, Pietro Consagra, Roberto Barni, Julio Larraz, Philip Colbert, Giuseppe Penone e nove sono di Nico Vascellari.

«L'opera», racconta l'artista è nata come video di prodotto per la Biennale di Lione 2019 in collaborazione con il team curatoriale del Palais de Tokyo di Parigi». L'artista, con un passato da musicista e da videomaker, aggiunge: «Il lavoro racconta un esperimento di tre giorni e tre notti in cui nove stuntmen guidano altrettante automobili di case motoristiche diverse, il cui cofano anteriore è stato rimosso e sostituito con delle sculture in cera in scala 1:1 che riproducono figure di 9 animali a grandezza naturale in resina epossidica. Un materiale usato proprio per lavorare sui prototipi delle auto in fase di sviluppo. Ogni pilota risponde a un manuale di guida diverso, creato analizzando i comportamenti dell'animale simbolo della macchina. Gli animali scelti sono attualmente, o sono stati in passato, i simboli scelti come logo da alcune tra le maggiori case automobilistiche internazionali tra cui Porsche, Lamborghini, Ferrari e Alfa Romeo. Attraverso l'analisi dell'utilizzo di immagini di animali nell'industria automobilistica, Horse Power intende suggerire un'indagine del rapporto tra uomo, animale e macchina, il cui legame è spesso paradossale e contradditorio: se è inevitabile leggere al suo interno un contrasto tra natura e tecnologia, dall'altro le figure animali e la loro simbologia sono centrali nello sviluppo estetico e identificatore dell'industria automobilistica, nel design dei loghi così come nella scelta dei nomi delle varie parti meccaniche».

Facciamo un passo indietro: come nasce il suo rapporto con l'arte?

«Andando a ritroso nella memoria c'è stata una mostra di Ligabue a sette anni che mi ha sconvolto, e sono uscito implorando mio padre di comprarmi un suo quadro. C'è stato poi un momento durante l'adolescenza», continua Vascellari «in cui giravo soprattutto in Europa con il gruppo musicale con il quale cantavo e mentre gli altri del gruppo preferivano andare allo skate al parco oppure passare ore nei negozi di dischi, che erano le cose che ho sempre fatto anch'io, preferivo andare a vedere un museo o una galleria. In quegli anni avevo dei taccuini in cui annotavo i nomi degli artisti che mi interessavano e sono dei reperti veramente ingenui e che rivisti adesso mi commuovono. È lì che il suonare e l'andare a vedere i musei hanno cominciato a mescolarsi per cui mi gustavo l'arte ma non sentivo quell'impeto, quella fisicità, quell'imprevedibilità che avvertivo nei concerti».

La scelta definitiva di iniziare a esprimersi con l'arte come l'ha maturata?

«Studiavo cinema al Dams e dopo un esame da 30 sono tornato a casa e invece che festeggiare ho detto ai miei genitori che lacciavo tutto. Ho chiesto loro tre mesi di fiducia per preparare un portfolio e mi sono trasferito a Rotterdam e lì ho realizzato la mia prima mostra personale, nata per un incidente».

Quale?

«Il giorno in cui sono arrivato in Olanda era ormai sera tarda e per non spendere i soldi nei primi temi contavo di dormire nello spazio che avevo affittato come laboratorio. Il proprietario mi aveva spiegato che se arrivavo di notte l'ascensore per salire al mio piano era spento e avrei dovuto usare il montacarichi. Quello che non sapevo era che si trovava in una stanza che era lo studio di un altro artista. Non trovando l'interruttore perché era uno spazio molto grande ho attraversato il salone a tendoni con il carrello con sopra attrezzi e bagagli. Il giorno dopo questo artista incavolato nero prima ancora di salutarmi mi dice che qualcuno nella notte era entrato e gli aveva spaccato tutti i lavori che erano tele nere posizionate a per terra non intelaiate. Ero stato io che pensavo di passare sul pavimento. “Tu puoi pagare? I miei dadi. Io gli rispondo “No, non ho una lira e non sono assicurato. Se ti va, prepara lo studio. Appena è pronto, sali da me e spacchi anche i tuoi lavori e andiamo a pari. Qualche settimana dopo l'ho chiamato e lui è rimasto affascinato da quanto avevo realizzato. E mi ha detto: “Le mie opere le stavo preparando per fare una mostra personale, che non posso più fare, la fai tu. È stata la mia prima mostra e da lì in poi non mi sono più fermato perché creare arte era quello per cui ero nato».

Come vede lo stato dell'arte performativa oggi?

«Gli ultimi vent'anni di storia artistica registrano una tendenza opposta nel campo della Performance Art, manifestando l'importanza delle tracce fisiche come detonatori per la resa artistica, creando un vero e proprio campo minato ricco di tensione e suspence, almeno fino all' inevitabile contatto, in genere rappresentato dal vernissage. Da qui l'attitudine degli artisti a disseminare traccepiù o meno identici, in un tempo non più ricercato e determinato piuttosto a servizio di una mise en scène, eludendo una precisa intenzione: scopo della ricerca non è più l'atto, bensì quei momenti specifici sopracitati che nel recente passato gli artisti andavano a “levare” per ambire alla purezza del gesto».